Музыкальная культура Средневековья. Западноевропейское Средневековье.

Музыкальная культура Средневековья. Западноевропейское Средневековье

Музыкальная культура Средневековья. Западноевропейское Средневековье.

Каранькова Ю.Н.

Материальную основу Средневековья составили феодальные отношения. Средневековая культура формируется в условиях сельского поместья. В дальнейшем социальной основой культуры становится городская среда – бюргерство. С образованием государств формируются основные сословия: духовенство, дворянство, народ.

Искусство Средневековья теснейшим образом связано с церковью. Христианское вероучение – основа философии, этики, эстетики, всей духовной жизни этого времени. Наполненное религиозной символикой, искусство устремлено от земного, преходящего — к духовному, вечному.

Наряду с официальной церковной культурой (высокой) существовала светская культура (низовая) – фольклорная (низших общественных слоёв) и рыцарская (куртуазная).

Основные очаги профессиональной музыки раннего Средневековья – соборы, певческие школы при них, монастыри – единственные центры образования того времени. В них изучали греческий язык и латынь, арифметику и музыку.

Главным центром церковной музыки в Западной Европе в эпоху Средневековья был Рим. В конце VI – начале VII в. формируется основная разновидность западноевропейской церковной музыки – григорианский хорал, названный так по имени папы Григория I, осуществившего реформу церковного пения, собрав воедино и упорядочив различные церковные песнопения.

Григорианский хорал – одноголосное католическое песнопение, в котором слились многовековые певческие традиции различных ближневосточных и европейских народов (сирийцы, иудеи, греки, римляне и др.). Именно плавное одноголосное развёртывание единой мелодии призвано было олицетворять единую волю, направленность внимания прихожан в соответствии с догматами католицизма.

Характер музыки строгий, внеличный. Исполнялся хорал хором (отсюда название), некоторые разделы – солистом. Преобладает поступенное движение на основе диатонических ладов.

Григорианское пение допускало немало градаций, начиная от сурово-медлительной хоровой псалмодии и кончая юбиляциями (мелизматическое распевание слога), требующими для своего исполнения виртуозного вокального мастерства.

Григорианское пение отдаляет слушателя от действительности, вызывает смирение, приводит к созерцательности, мистической отрешённости. Такому воздействию способствует и текст на латинском языке, непонятном основной массе прихожан. Ритм пения определялся текстом. Он расплывчат, неопределёнен, обусловлен характером акцентов декламирования текста.

Многообразные виды григорианского пения были сведены воедино в главном богослужении католической церкви – мессе, в которой установилось пять устойчивых частей:

Kyrie eleison (Господи, помилуй)

Gloria (слава)

Credo (верую)

Sanctus (свят)

Agnus Dei (агнец божий).

С течением времени в григорианский хорал начинают просачиваться элементы народной музыки через гимны, секвенции и тропы.

Если псалмодии исполнялись профессиональным хором певчих и священнослужителями, то гимны на первых порах — прихожанами. Они представляли собой вставки в официальное богослужение (им были присущи черты народной музыки).

Но вскоре гимнические части мессы стали вытеснять псалмодические, что привело к появлению полифонической мессы.

Первые секвенции представляли собой подтекстовку под мелодику юбиляции так, чтобы один звук мелодии имел бы отдельный слог. Секвенция становится распространённым жанром (наиболее популярны «Veni, sancte spiritus», «Dies irae», «Stabat mater»). «Dies irae» использовали Берлиоз, Лист, Чайковский, Рахманинов (очень часто как символ смерти).

Первые образцы многоголосия происходят из монастырей – органум (движение параллельными квинтами или квартами), гимель, фобурдон (параллельные секстаккорды), кондукт. Композиторы: Леонин и Перотин (12-13 вв. – собор Парижской Богоматери).

Носителями светской народной музыки в Средневековье были мимы, жонглёры, менестрели во Франции, шпильманы – в странах немецкой культуры, хоглары – в Испании, скоморохи – на Руси. Эти странствующие артисты были универсальными мастерами: они сочетали пение, пляску, игру на различных инструментах с фокусничеством, цирковым искусством, кукольным театром.

Другой стороной светской культуры была рыцарская (куртуазная) культура (культура светских феодалов). Рыцарями были почти все знатные люди – от неимущих воинов до королей.

Формируется особый рыцарский кодекс, в соответствии с которым рыцарь, наряду с отвагой и доблестью, должен был обладать изысканными манерами, быть образованным, щедрым, великодушным, преданно служить Прекрасной Даме.

Все стороны рыцарской жизни нашли отражение в музыкально-поэтическом искусстве трубадуров (Прованс – южная Франция), труверов (северная Франция), миннезингеров (Германия). Искусство трубадуров связано преимущественно с любовной лирикой. Наиболее популярным жанром любовной лирики была канцона (у миннезингеров – «Утренние песни» — альбы).

Труверы, широко используя опыт трубадуров, создали свои оригинальные жанры: «ткацкие песни», «майские песни».

Важную область музыкальных жанров трубадуров, труверов и миннезингеров составляли песенно-танцевальные жанры: рондо, баллада, виреле (рефренные формы), а также героический эпос (французский эпос «Песнь о Роланде», немецкий — «Песнь о Нибелунгах»). У миннезингеров были распространены песни крестоносцев.

Характерные черты искусства трубадуров, труверов и миннезингеров:

Одноголосие — является следствием неразрывной связи напева со стихотворным текстом, что вытекает из самой сути музыкально-поэтического искусства. Одноголосие соответствовало и установке на индивидуализированное выражение собственных переживаний, на личную оценку содержания высказывания (часто выражение личных переживаний обрамлялось обрисовкой картин природы).

Преимущественно вокальное исполнение. Роль инструментов не была значительной: она сводилась к исполнению вступлений, интермедий и постлюдий, обрамляющих вокальный напев.

О рыцарском искусстве ещё нельзя говорить как о профессиональном, но впервые в условиях светского музицирования было создано мощное музыкально-поэтическое направление с развитым комплексом выразительных средств и относительно совершенной музыкальной письменностью.

Одним из важных достижений зрелого средневековья, начиная с X-XI веков, явилось развитие городов (бюргерской культуры). Основными чертами городской культуры были антицерковная, вольнолюбивая направленность, связь с фольклором, её смеховый и карнавальный характер. Развивается готический архитектурный стиль.

Формируются новые многоголосные жанры: с 13-14 по 16 вв. — мотет (от франц. – «слово». Для мотета типично мелодическое несходство , интонировавших одновременно разные тексты – часто даже на разных языках), мадригал (от итал. – «песня на родном языке», т.е. итальянском. Тексты любовно-лирические, пасторальные), качча (от итал.

– «охота» — вокальная пьеса на текст, живописующий охоту).

Народные странствующие музыканты переходят от кочевого образа жизни к оседлому, заселяют целые городские кварталы и складываются в своеобразные «музыкантские цехи».

Начиная с XII века, к народным музыкантам примкнули ваганты и голиарды – деклассированные выходцы из разных классов (школяры-студенты, беглые монахи, скитающиеся клирики).

В отличие от неграмотных жонглёров – типичных представителей искусства устной традиции – ваганты и голиарды были грамотными: они владели латинским языком и правилами классического стихосложения, сочиняли музыку – песни (круг образов связан со школьной наукой и студенческим бытом) и даже сложные сочинения типа кондуктов и мотетов.

Значительным очагом музыкальной культуры стали университеты. Музыка, точнее – музыкальная акустика – вместе с астрономией, математикой, физикой входила в квадриум, т.е. цикл из четырёх дисциплин, изучавшихся в университетах.

Таким образом, в средневековом городе существовали различные по характеру и социальной направленности очаги музыкальной культуры: объединения народных музыкантов, придворная музыка, музыка монастырей и соборов, университетская музыкальная практика.

Музыкальная теория Средневековья была тесно связана с богословием. В немногих дошедших до нас музыкально-теоретических трактатах музыка рассматривалась как «служанка церкви».

Среди видных трактатов раннего Средневековья выделяются 6 книг «О музыке» Августина, 5 книг Боэция «Об установлении музыки» и др.

Большое место в этих трактатах уделялось абстрактно-схоластическим вопросам, учению о космической роли музыки и т.д.

Средневековая ладовая система была разработана представителями церковного профессионального музыкального искусства – поэтому за средневековыми ладами и закрепилось название «церковные лады». В качестве главных ладов утвердились ионийский и эолийский.

Музыкальная теория Средневековья выдвинула учение о гексахордах. В каждом ладу использовались в практике 6 ступеней (например: до, ре, ми, фа, соль, ля). Си тогда избегалось, т.к. образовывало вместе с фа ход на увеличенную кварту, которую считали очень неблагозвучной и образно именовали «дьяволом в музыке».

Широко применялась невменная запись. Гвидо Аретинский усовершенствовал систему нотной записи. Суть его реформы заключалась в следующем: наличие четырёх линий, терцовое соотношение между отдельными линиями, ключевой знак (первоначально буквенный) или раскраска линий. Он также ввёл слоговые обозначения для первых шести ступеней лада: ут, ре, ми, фа, соль, ля.

Вводится мензуральная нотация, где за каждой нотой закреплялась определённая ритмическая мера (лат. mensura – мера, измерение). Название длительностей: максима, лонга, бревис и т.д.

XIV век – переходный период между средневековьем и эпохой Возрождения. Искусство Франции и Италии XIV века получило название «Ars nova» (от лат. — новое искусство), причём в Италии оно обладало всеми свойствами раннего Возрождения.

Основные черты: отказ от использования исключительно жанров церковной музыки и обращение к светским вокально-инструментальным камерным жанрам (баллада, качча, мадригал), сближение с бытовой песенностью, использование различных музыкальных инструментов. Ars nova противоположно т.н. арс антиква (лат.

ars antiqua — старое искусство), подразумевающему музыкальное искусство до начала XIV века. Крупнейшими представителями аrs nova были Гийом де Машо (14 в., Франция) и Франческо Ландино (14 в., Италия).

Таким образом, музыкальная культура Средневековья, несмотря на относительную ограниченность средств, представляет более высокую ступень по сравнению с музыкой Древнего мира и содержит предпосылки для пышного расцвета музыкального искусства в эпоху Ренессанса.

Список литературы

Для подготовки данной работы были использованы материалы с сайта http://academicon.ru/

Дата добавления: 14.11.2012

Источник: https://www.km.ru/referats/332311-muzykalnaya-kultura-srednevekovya-zapadnoevropeiskoe-srednevekove

Западноевропейская средневековая музыка

Музыкальная культура Средневековья. Западноевропейское Средневековье.

Западноевропейская средневековая музыка

Введение. 3

Глава 1. Развитие церковной музыки в период Средних Веков. 4

Глава 2. Светская средневековая музыка. 7

Глава 3. Музыкальные инструменты средневековой Европы.. 10

Заключение. 12

Список литературы.. 13

Введение

В средневековую эпоху в Европе сформировалась феодальная музыкальная культура, которая объединила в себе искусство придворных и народных музыкантов, профессиональное и любительское творчество.

Основой профессиональной музыки того времени было церковное музыкальное искусство, рождающееся в средневековых храмах и монастырях.

Светские музыканты-профессионалы поначалу были лишь вокальными исполнителями: они создавали и пели эпические сказания при дворах королей, в домах средневековой аристократии, в обществе воинов. Их именовали бардами и скальдами.

При дворах королей, герцогов и графов создавались разнообразные жанры песен – эпические, виреле, баллады и другие. Постепенно в быт входили все новые и новые музыкальные инструменты, многие из которых были заимствованы у восточных народов.

Одновременно в сельской местности развивалась фольклорная музыка, возникали странствующие артисты, такие как скоморохи и менестрели. Получала развитие и церковная музыка, формировались различные стили пения.

Целью данной работы является исследование особенностей западноевропейской музыки периода Средних Веков.

Задачи определены следующие:

1. Ознакомиться с имеющейся информацией по данной теме;

2. Определить основные направления развития средневековой музыки;

3. Изучить наиболее распространенные в тот период музыкальные инструменты.

Глава 1. Развитие церковной музыки в период Средних Веков

Традиционно западноевропейская церковная музыка начинает свое развитие с IV-V вв. Ранний этап их формирования тесно связан с проповедником и богословом святым Амвросием Медиоланским. Первые гимны для богослужений были его авторства.

Амвросию принадлежит значимое нововведение в практику церковной музыки — деление хора на две группы, которые находятся с разных сторон алтаря. Эти группы по очереди исполняли между молитвенными текстами музыкальные фрагменты. Подобные фрагменты носили название антифонов (от греч.

«антифонос» — «звучащий в ответ»), а принцип их исполнения назывался антифонным пением. Постепенно за важнейшими текстами закреплялись определённые антифоны, музыка для которых создавалась на базу уже имеющихся и довольно известных коротких мелодий — распевов.

Число антифонов, точно как и число распевов, постепенно увеличивалось, и певчим всё сложнее было запоминать их.

По этой причине в самом начале VII в. весь имеющийся музыкальный материал был систематизирован и собран в большом сборнике, названном «Григорианским антифонарием». Это наименование было связано с именем Папы Римского Григория I. Данный сборник стал базой для дальнейшего развития одного из известнейших стилей европейской церковной музыки — григорианского хорального пения.

Все григорианские песнопения были строго одноголосны. Голоса певчих должны были сливаться в единое целое настолько, чтобы звучание хора наиболее приближалось к звучанию голоса одного человека.

Музыкальные средства были ориентированы на решение одной главной задачи — передать особое состояние, когда мысли молящегося сосредоточены на Христе, а чувства приведены в идеальное равновесие, дарующее сознанию ощущение покоя. Музыкальные фразы песнопений были протяжёнными, без резких перепадов мелодии.

Удивительная ровность ритма создавала ощущение умиротворения и одновременно с этим – мерного, сосредоточенного движения.

Основа григорианской музыки — принцип диатоники (от греч. «диатоникос» — «растянутый»), то есть, звукоряда, который построен на звуках гаммы без повышений и понижений. Существовала специальная система церковных диатонических ладов, пришедших в Европу из Византии и имевших античное происхождение.[1]

Общее число ладов — восемь – было не просто так. Оно имело глубокий духовный смысл и рассматривалось как произведение 2×4, где первая цифра означала двуединую, богочеловеческую сущность Иисуса Христа, а вторая — четыре конца креста. Другими словами, эта система олицетворяла распятого Христа.

По степени распева (богослужебного) текста песнопения можно разделить на:

1. Силлабические (1 тон на слог текста);

2. Невматические (2-3 тона на слог);

3. Мелизматические (неограниченное количество тонов на слог).

Особо интересно построение и соединение музыки и текста. В основе этого соединения два приема, которые пришли в пение из древней традиции чтения молитв нараспев. Один из приемов называется псалмодирование (использовалось при чтении псалмов).

Суть его заключалась в том, что на один музыкальный звук приходился один слог текста. Другой приём — юбиляция (от лат, jubilatio — «ликование»). В его основе был один слог, который распевался на несколько звуков.

Григорианский хорал гибко сочетал в себе оба этих приёма.

В основных чертах григорианское пение сложилось на территории современной Франции, Южной Германии, Швейцарии и Северной Италии в VIII—IX веках (как результат отбора, переработки и унификации разных богослужебных напевов). В григорианском пении объединены древнейшие интонационные формулы восточно-средиземноморских музыкальных культур, компоненты византийского, галликанского, амвросианского пения, фольклор германских и кельтских племен.

Наиболее ранние рукописи григорианского пения (конца VIII века) включают в себя только тексты (а так же тонарии, которые выполняли роль памятки для певчих). От IX века до нас дошли первые нотные рукописи.

Поначалу григорианское пение записывалось при помощи безлинейной невменной нотации, на базе которой в XII веке появилась линейная квадратная нотация.

К XII—XIII векам григорианское пение распространилось от Британских островов до таких стран как Польша, Чехия.

Постепенно, со временем, григорианское пение меняется, возникает многоголосие и образуются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, месса.

Наибольшее распространение получила месса – вокальное или вокально-инструментальное произведение католического богослужения (в православной церкви это обедня или литургия).

Поначалу месса была одноголосной, а многоголосой стала только с XIV века.

Глава 2. Светская средневековая музыка.

Расцвет профессиональной светской музыки XII-XIII вв. связан, прежде всего, с культурой рыцарства — военной аристократии европейского Средневековья.

К середине XII столетия в Провансе, одной из самых богатых и интересных в культурном отношении провинций Франции, сформировалось творчество поэтов и певцов — трубадуров.

Слово «трубадур» происходит от провансальского выражения art de trobas — «искусство сочинять», и его можно приблизительно перевести как «изобретатель», «сочинитель». В музыкальном отношении творчество трубадуров испытало, вероятно, серьёзное влияние народных традиций.

Однако открытым, часто дерзким фольклорным интонациям они придали большую мягкость, утончённость. Ритмика композиций даже в быстром темпе сохраняет размеренность и изящество, а форма отличается глубокой продуманностью и пропорциональностью.

Музыка трубадуров разнообразна по жанрам. Значительное место занимали эпические произведения под названием песни о деяниях (фр. chansons de geste). Обычно их писали на тексты из «Песни о Роланде» — эпической поэмы (XII в.), рассказывающей о походах Карла Великого и трагической судьбе его верного рыцаря Роланда.

Об идиллических картинах сельской жизни повествовали пастурели (от фр. pas-tourelle — «пастушка»). (Позже на их основе возникнет пастораль — произведение искусства, показывающее единение человека с природой.) Существовали также песни нравоучительного содержания – тенсоны (от фр. tension — «напряжение», «давление»).

Однако главной в музыке и поэзии трубадуров оставалась любовная тематика, а основным жанром были песни утренней зари (фр. chansons l'aube). Как правило, в них поётся о сладостной минуте ночного свидания рыцаря со своей Прекрасной Дамой, которое прерывается криком стражи — знаком наступления утра, несущего влюблённым разлуку.

Мелодии песен покоряют гибкостью и изысканно чёткой композицией. Обычно они строятся на коротких, часто повторяющихся мотивах, но заметить эти повторы не всегда удаётся: они столь мастерски связаны друг с другом, что производят впечатление длинной, постоянно меняющейся мелодии.

Такому ощущению немало способствует звучание старофранцузского языка с его длинными гласными и мягкими в пении согласными.

Трубадуры были людьми разного происхождения — как простолюдинами, так и аристократами (например, герцог Аквитанский Гильом IX, барон Бертран де Борн).

Однако независимо от социальной принадлежности все они показывали идеальную любовь мужчины и женщины, гармонию между чувственным и духовным в их отношениях.

Идеал возлюбленной рыцаря-трубадура — земная женщина, но чистотой, благородством и одухотворённостью она должна напоминать Деву Марию (нередко в описании Прекрасной Дамы чувствуется подтекст — скрытый образ Богоматери).

В отношении рыцаря к Даме нет и тени чувственной необузданности (очень свойственной нравам эпохи), это скорее трепетное восхищение, почти поклонение. В описании таких отношений поэзия трубадуров находила поразительно тонкие нюансы, а музыка стремилась точно передать их.

Ещё одно интересное явление профессиональной светской культуры Западной Европы — творчество труверов, певцов и поэтов из Шампани, Фландрии, Брабанта (часть территории современных Франции и Бельгии).

Слово «трувер» близко по значению к названию «трубадур», только произошло оно от старофранцузского глагола trouver — «находить», «придумывать», «сочинять».

В отличие от трубадуров труверы были ближе к городской жизни, более демократичной по своим формам, и расцвет их творчества приходится на вторую половину XIII в., когда рыцарство стало постепенно уходить в социальной жизни на второй план.

Близко к искусству французских трубадуров творчество немецких рыцарских поэтов и музыкантов — миннезингеров (нем. Minnesinger — «певец любви»).

тема творчества миннезингеров, как и трубадуров, — любовь, но музыка их песен более строга, подчас даже сурова, сосредоточенна и наполнена скорее размышлениями, нежели пылкими чувствами.

Мелодии миннезингеров покоряют простотой и лаконичностью, за которыми скрывается духовная глубина, позволяющая сопоставлять их с лучшими образцами церковной музыки.[2]

Глава 3. Музыкальные инструменты средневековой Европы

В эпоху Средневековья в Европе распространились два типа деревянных духовых инструментов: крумгорн (от нем. Krummhorn — «кривой рог») и шалмей (от греч. «каламос» — «тростник»).

Первые крумгорны появились в XI в. Длинный деревянный ствол инструмента загнут в форме крюка, а на прямом участке располагаются отверстия для пальцев. Зажимая их, исполнители меняли высоту звука.

Извлекали же звук с помощью специального приспособления — трости — маленькой продолговатой пластинки из тростника (в крумгорне использовали двойную трость, т. е. две пластинки одновременно). Диапазон инструмента невелик — чуть больше октавы.

Поэтому очень быстро возникло целое семейство крумгорнов; каждый инструмент звучал в строго определённом регистре. По сравнению с другими духовыми инструментами Средневековья крумгорны были самыми мягкими по звучанию, на них исполняли лирическую музыку.

Шалмей появился в XIII в., по устройству он близок к крумгорну. Для удобства в верхней части ствола сделан специальный изгиб под названием «пируэт» (нечто подобное есть у современного саксофона).

Из восьми отверстий для пальцев одно закрывалось клапаном, что тоже облегчало процесс игры. Впоследствии клапаны стали использовать во всех деревянных духовых.

Звук у шалмея резкий и звонкий, и даже низкие по регистру разновидности инструмента кажутся современному слушателю громкими и пронзительными.

Большой популярностью пользовались различные по регистру продольные флейты. Продольными они называются потому, что в отличие от современных поперечных флейт исполнитель держит их вертикально, а не горизонтально. Во флейтах трости не используют, поэтому звучат они тише, чем другие духовые, но их тембр удивительно нежен и богат оттенками.

Струнные смычковые инструменты Средневековья — ребек и фидель. Они имеют от двух до пяти струн, но у фиделя более округлый корпус, отдалённо напоминающий грушу, а у ребека (близкого по тембру) форма более продолговатая. С XI в. известен оригинальный по устройству инструмент трумшайт.

Название происходит от двух немецких слов: Trumme — «труба» и Scheit — «полено». У трумшайта длинный, клиновидной формы корпус и одна струна. В XVII в. внутри корпуса стали натягивать дополнительные резонирующие струны.

По ним не водили смычком, но при игре на основной струне они вибрировали, и это вносило дополнительные оттенки в тембр звука. Для струны существовала специальная подставка, у которой одна ножка была короче другой, и поэтому подставка неплотно прилегала к корпусу.

Во время игры под воздействием вибрации струны она ударяла о корпус, и таким образом создавался оригинальный эффект «ударного сопровождения».

Кроме смычковых в струнной группе были и щипковые — арфа и цитра. Средневековая арфа по форме похожа на современную, но гораздо меньше по размерам. Цитра немного напоминает гусли, но устроена более сложно.

На одной стороне деревянного корпуса (по форме прямоугольный ящик) делали небольшой круглый выступ. Гриф (от нем. Griff — «рукоятка») — деревянная пластина для натягивания струн — разделён специальными металлическими выступами — ладами.

Благодаря им исполнитель точно попадает пальцем на нужную ноту. У цитры от тридцати до сорока струн, из них четыре-пять металлические, остальные — жильные. Для игры на металлических струнах используют напёрсток (надевается на палец), а жильные защипывают пальцами.

Цитра появилась на рубеже XII-XIII вв., но стала особенно популярной в XV-XVI столетиях.

Заключение

В эпоху средневековья в Европе складывается музыка нового типа, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор.

Основу профессионального искусства составляла деятельность музыкантов в храмах и монастырях.

Светское профессиональное искусство было представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.).

Музыка выполняла главным образом прикладные и духовно-практические функции. Композитор и исполнитель чаще всего сочетались в одном лице. Во Франции в 12 в.

образовалась первая композиторская (творческая школа) при соборе Парижской богоматери.

В содержании музыки и ее форме господствовала коллективность, индивидуальное начало подчинялось общему, не выделяясь из него (музыкант – мастер – лучший представитель общины). Во всем царствовала строгая традиционность и каноничность.

Накануне Возрождения многоголосие окончательно вытеснило одноголосие и музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практических функций обслуживания церковных обрядов, в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных.

Список литературы

Гуревич средневековой культуры. – М.: Искусство, 1984. – 350 с.

Ивлев культура Средневековья: Материалы для учителя МХК. — М.: Международный союз книголюбов, 2001. — с.20-37.

стория западноевропейской музыки до 1789 года (Средние века): Учебник в 2-х тт. Т. 1. М., 1983

Платонова лекций по культурологии. – М.: Айрис-пресс, 2003. – 304 с.

Серебряный мировой культуры: Наследие Запада: Античность. Средневековье. Возрождение: Курс лекций. – М.: Российск. гос. гуманит. ун-т, 1998. – 429с.

[1] Ивлев культура Средневековья: Материалы для учителя МХК. — М.: Международный союз книголюбов, 2001. — с.22

[2] стория западноевропейской музыки до 1789 года (Средние века): Учебник в 2-х тт. Т. 1. М., 1983

Источник: https://pandia.ru/text/80/295/69348.php

Тема 3. Музыкальная культура Средневековья

Музыкальная культура Средневековья. Западноевропейское Средневековье.

Средневековье – наиболее длительная культурная эпоха в истории Западной Европы. Она охватывает девять столетий – с VI по XIV век.

Это было время господства католической церкви, которая с первых шагов являлась покровительницей искусств.

Церковное слово (молитва) в разных странах Европы и в различных социальных слоях было неразрывно связано с музыкой: звучали псалмы, гимны, хоралы – сосредоточенные, отрешенные мелодии, далекие от повседневной суеты.

Также по заказу церкви возводили величественные храмы, украшали их скульптурами и красочными витражами; благодаря покровительству церкви архитекторы и художники, скульпторы и певцы посвящали себя безраздельно любимому искусству, т. е. католическая церковь поддерживала их с материальной стороны. Таким образом, самая значительная часть искусства вообще и музыкального, в частности, находилась под ведением католической религии.

Церковное пение во всех странах Западной Европы звучало на строгом латинском языке и для того, чтобы еще более усилить единство, общность католического мира, папа Григорий I, вступивший на престол в начале IV века, собрал воедино все церковные песнопения и предписал для исполнения каждого из них определенный день церковного календаря. Собранные папой мелодии получили название григорианских хоралов, а певческая традиция, основанная на них, называется григорианское пение.

В мелодическом смысле григорианский хорал ориентирован на октоих – систему восьми ладов. Именно лад часто оставался единственным указанием на то, как нужно исполнять хорал. Все лады составляли октаву и были модификацией античной трихордной системы. Лады имели только нумерацию, понятия «дорийский», «лидийский» и проч. исключались. Каждый лад представлял соединение двух тетрахордов.

Григорианские хоралы идеально соответствовали своему молитвенному назначению: неторопливые мелодии складывались из незаметно перетекающих друг в друга мотивов, мелодическая линия была ограничена по тесситуре, интервалы между звуками были небольшими, ритмический рисунок был также плавным, строились хоралы на основе диатонического звукоряда. Григорианские хоралы исполнялись одноголосно мужским хором и обучались такому пению преимущественно в устной традиции. Письменные источники григорианики являются образцом невменной нотации (специальные значки, стоявшие над латинским текстом), однако такой тип нотной записи указывал только приблизительную высоту звука, обобщенное направление мелодической линии и совсем не касался ритмической стороны и поэтому считался сложным для прочтения. Певцы, исполнявшие церковные хоралы не всегда были образованы и обучались своему ремеслу в устной форме.

Григорианский хорал стал символом огромной эпохи, которая отразила в нем свое понимание жизни и мира. Смысл и содержание хоралов отражали представление средневекового человека о сущности бытия.

В этом смысле Средние века часто называют «юностью европейской культуры», когда, после падения античного Рима в 476 году, племена варваров, галлов и германцев вторглись в Европу и начали строить свою жизнь заново. Их вера в христианских святых отличалась безыскусностью, простотой и мелодии григорианских хоралов базировались на том же принципе естественности.

Некоторая монотонность хоралов отражает представление средневекового человека о пространстве, которое ограничивается полем его зрения. Также и представление о времени было связано с идеей повторяемости и неизменности.

Григорианское пение, как господствующий музыкальный стиль, к IX веку окончательно утвердилось на всей территории Европы.

Тогда же в музыкальном искусстве произошло величайшее открытие, оказавшее влияние на всю его дальнейшую историю: ученый-монах, итальянский музыкант Гвидо из Ареццо (Аретинский) изобрел нотную запись, которой мы пользуемся и по сей день. Отныне и григорианский хорал можно было спеть по нотам, и он вступил в новую фазу своего развития.

С VII по IX век понятия «музыка» и «григорианский хорал» существовали нераздельно. Изучая мелодику хоралов, средневековые музыканты и певчие хотели украсить их, но изменять церковное пение не разрешалось.

Выход был найден: над хоральной мелодией на равном удалении от всех ее звуков был надстроен второй голос, который в точности повторял мелодический рисунок хорала. Мелодия казалась утолщенной, удвоенной.

Такие первые двухголосные сочинения получили названия органумов, так как нижний голос, в котором звучал хорал, назывался vox principalis (основной голос), а верхний, присочиненный – vox organalis (дополнительный голос).

Звучание органумов вызывало ассоциации с акустикой храма: оно было гулким, глубоким. Далее, на протяжении XI-XIII веков, двухголосие выросло до трех- (triptum) и четырехголосия.

Ритмические формы органумов — пример модусной (модальной) ритмики. Их шесть: ямб (l ¡), трохей (хорей) (¡ l), дактиль (¡. l ¡), анапест (l ¡ ¡.), спондей (¡.¡.),тритрахий (l l l).

Помимо церковного искусства, с развитием европейских городов и экономики, в Средние века произошло рождение нового искусства.

Простые люди (горожане, крестьяне) часто видели в своих поселениях бродячих актеров и музыкантов, которые танцевали, разыгрывали театрализованные представления на разные темы: об ангелах и Пресвятой Богородице или о чертях и адских муках.

Это новое светское искусство пришлось не по вкусу аскетическим служителям церкви, которые находили в легкомысленных песнях и представлениях происки дьявола.

Расцвет средневековых городов и феодальных замков, интерес к светскому искусству, который охватывал все сословия, привели к появлению первой профессиональной школы светской поэзии и музыки – школы трубадуров, которая возникла на юге Франции в XII веке. Аналогичные немецкие поэты и музыканты назывались миннезингерами (мейстерзингерами), северофранцузские – труверами. Будучи авторами стихов, поэты-трубадуры выступали одновременно и как композиторы, и как певцы-исполнители.

Музыка песен трубадуров выросла из поэзии и подражала ей своей простотой, шутливостью, беззаботностью.

таких песен обсуждало все жизненные темы: любовь и разлуку, наступление весны и ее радости, веселую жизнь странствующих студентов-школяров, шалости Фортуны и ее капризный нрав и др.

Ритмичность, четкое членение на музыкальные фразы, акцентность, периодичность – все это было свойственно песням трубадуров.

Григорианское пение и лирика трубадуров – два самостоятельных направления в средневековой музыке, однако, при всей их контрастности, можно отметить и общие черты: внутреннее родство со словом, склонность к плавному, витиеватому едению.

Вершиной раннего многоголосия (полифонии) стала школа Нотр-Дам. Музыканты, принадлежавшие к ней, работали в Париже в соборе Парижской Богоматери в XII-XIII веках.

Им удалось создать такие многоголосные структуры, благодаря которым музыкальное искусство стало более самостоятельным, менее зависимым от произнесения латинского текста.

Музыка перестала восприниматься как его поддержка и украшение, она теперь предназначалась специально для слушания, хотя органумы мастеров этой школы по-прежнему исполнялись в церкви. Во главе школы Нотр-Дам стояли профессиональные композиторы: во второй половине XII века – Леонин, на рубеже XII-XIII веков – его ученик Перотин.

Понятие «композитор» в эпоху Средневековья существовало на втором плане музыкальной культур и само слово происходило от «компонировать» — т.е. сочетать, создавать нечто новое из известных элементов.

Профессия композитора появилась лишь в XII веке (в творчестве трубадуров и мастеров школы Нотр-Дам).

Например, найденные Леонином правила композиции уникальны потому, что, начав с глубокого исследования музыкального материала, созданного до него, композитор сумел впоследствии сочетать традиции строгого григорианского пения со свободными нормами искусства трубадуров.

Уже в органумах Перотина был придуман способ продления музыкальной формы. Так, музыкальная ткань расчленялась на короткие мотивы, построенные по принципу подобия (все они представляют довольно близкие варианты друг друга).

Перотин передает эти мотивы из одного голоса в другой, создавая нечто вроде мотивной цепочки. Пользуясь такими сочетаниями и перестановками, Перотин позволил органумам разрастись по масштабам.

Звуки григорианского хорала, помещенные в голос cantus firmus, располагаются на большом расстоянии друг от друга – и это также способствует расширению музыкальной формы. Так возник новый жанр – МОТЕТ; как правило, это трехголосное сочинение, получившее распространение в XIII веке.

Красота нового жанра заключалась в одновременном сочетании разных мелодических линий, хотя они, по сути, являлись вариантом, дублировкой, отражением основного напева – cantus firmus. Такие мотеты назывались «упорядоченными».

Однако большей популярностью у публики пользовались мотеты, которые, в противоположность мотетам на cantus firmus, утрировали принципы разноголосия: некоторые из них даже сочинялись на разноязыкие тексты.

Средневековые мотеты могли быть как духовного, так и светского содержания: любовного, сатирического и т.п.

Раннее многоголосие существовало не только как вокальное искусство, но и как инструментальное. Для карнавалов и праздников сочинялась танцевальная музыка, песни трубадуров также сопровождались игрой на инструментах. Были популярны и своеобразные инструментальные фантазии, похожие на мотеты.

XIV век в западноевропейском искусстве называется «осенью» Средневековья. В Италию уже пришла новая эпоха – Возрождение; уже творили Данте, Петрарка, Джотто – великие мастера раннего Ренессанса. Остальная Европа подводила итоги средних веков и ощущала рождение новой темы в искусстве – темы индивидуальности.

Вступление средневековой музыки в новую эпоху было ознаменовано появлением трактата Филиппа де Витри «Ars Nova» — «Новое искусство». В нем ученый и музыкант пытался обрисовать новый образ музыкально-прекрасного.

Название этого трактата дало имя и всей музыкальной культуре XIV века.

Отныне музыка должна была отказаться от простых и грубых звучаний и устремиться к мягкости, очарованию звука: вместо пустых, холодных созвучий Ars antiqua предписывалось использовать полные и певучие созвучия.

Рекомендовалось оставить в прошлом и однообразный ритм (модальный) и пользоваться вновь открытой мензуральной (измерительной) нотацией, когда короткие и длинные звуки относятся друг к другу как 1:3 или 1:2. Таких длительностей много – максима, лонга, бревис, семибревис; каждая из них имеет свое начертание: более длинные звуки не заштриховываются, более краткие изображаются черным цветом.

Ритм стал более гибким, разнообразным, можно использовать синкопы. Менее строгим стало ограничение на использование иных, кроме диатонических церковных ладов: можно употреблять альтерации, повышения, понижения музыкальных тонов.

Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском:

Источник: https://studopedia.ru/11_33568_tema--muzikalnaya-kultura-srednevekovya.html

Музыкальная культура Средневековья

Музыкальная культура Средневековья. Западноевропейское Средневековье.

В условиях раннего Средневековья вся музыкальная культура сводит­ся к двум основным «слагаемым».

На одном ее полюсе – узаконенная цер­ковью профессиональная богослужебная музыка, в принципе единая для всех народов, принявших христианство (единство языка – латынь, един­ство пения – григорианский хорал).

На другой стороне – гонимая церковью на­родная музыка на различных местных языках, связанная с народным бы­том, с деятельностью бродячих музыкантов.

Несмотря на абсолютное неравенство сил (в смысле поддержки со стороны государства, материальных условий и прочее), народная музыка интенсивно развивалась и даже частично проникала в церковь в виде различных вставок в канонизированное григорианское пение. Среди них, например, тропы и секвенции, создаваемые одаренными музыкантами.

Тропы – это текстовые и музыкальные дополнения, вставляемые в середину хорала. Разновидностью тропа является секвенция. Средневековые секвенции – это подтекстовки сложных вокализов. Одной из причин, вызвавших их возникновение, была значительная трудность запоминания длинных мелодий, распеваемых на одной гласной букве. Со временем секвенции стали основываться на мелодиях народного склада.

Среди авторов первых секвенций называют монаха Ноткера по прозвищу Заика из монастыря Санкт-Галлен (в Швейцарии, близ Боденского озера).

Ноткер (840-912) был композитором, поэтом, музыкальным теоретиком, историком, богословом. Он преподавал в монастырской школе и, несмотря на заикание, пользовался славой прекрасного учителя.

Для своих секвенций Ноткер частично использовал известные мелодии, частично сочинил сам.

Постановлением Тридентского собора (1545-63) почти все секвенции были изгнаны из церковной службы, за исключением четырех. Среди них наибольшую известность приобрела секвенция Dies irae («День гнева»), рассказывающая о судном дне1. Позже в католический церковный обиход была допущена и пятая секвенция, Stabat Mater («Стояла мать скорбящая»).

Дух мирского искусства в церковный обиход привносили и гимны – духовные песнопения, близкие народным песням на стихотворный текст.

С конца XI века в музыкальную жизнь Западной Европы включаются новые виды творчества и музицирования, связанные с рыцарской культу­рой. Певцы-рыцари, по существу, положили начало светской му­зыке.

Их искусство соприкасалось с народно-бытовой музыкальной тради­цией (использование народно-песенных интонаций, практика сотрудничест­ва с народными музыкантами).

В ряде случаев трубадуры, вероятно, под­бирали к своим текстам бытующие народные мелодии.

Величайшим достижением музыкальной культуры Средневековья явилось рождение профессиональной европейской полифонии. Ее начало относится к IX веку, когда унисонное исполнение григорианского хорала стало иногда заменяться двухголосным.

Наиболее ранним видом двухголосия был параллельный органум, в котором григорианский напев дублировался в октаву, кварту или квинту. Затем появился и непарал­лельный органум с косвенным (когда двигался только один голос) и про­тивоположным движением.

Постепенно голос, сопровождающий григорианс­кий хорал, становился все более самостоятельным. Подобный стиль двухголосия получил название дискантового (в переводе – «пе­ние врозь»).

Впервые такие органумы стал писать Леонин, первый извест­ный композитор-полифонист (XII век). Он служил регентом в знаменитом соборе Парижской Богоматери, где сложилась крупная полифоническая школа.

Творчество Леонина было связано с ars antiqua (арс антиква, что означает «старинное искусство»). Такое наименование дали культовой полифонии XII–XIII веков музыканты раннего Возрождения, противопоставлявшие ее ars nova («новому искусству»).

В начале XIII века традиции Леонина продолжил Перотин, по про­звищу Великий. Он сочинял уже не двухголосные, а 3х и 4х-голосные органумы. Верхние голоса у Перотина иногда образуют контрастное двухголосие, порой он искусно применяет имитацию.

Во времена Перотина сформировался и новый тип полифонии – кондукт, основой которого был уже не григорианский хорал, а популярная бытовая или свободно сочиняемая мелодия.

Еще более смелой поли­фонической формой явился мотет – сочетание мелодий с различным ритмом и различными текстами, нередко даже на разных языках. Мотет был первым музыкальным жанром, одинаково распространенным и в церкви, и в придворном быту.

Развитие многоголосия, отход от одновременного произнесения каждого слога текста во всех голосах (в мотетах), потребовало усовершенствования нотации, точного обозначения длительностей. Появляется мензуральная нотация (от лат. mensura – мера; буквально – размеренная нотация), которая дала возможность фиксировать и высоту, и относительную длительность звуков.

Параллельно с развитием полифонии шел процесс становления мессы – многоголосного циклического произведения на текст главно­го богослужения католической церкви. Ритуал мессы складывался в тече­ние многих столетий. Окончательный свой вид он приобрел лишь к XI ве­ку. Как целостная музыкальная композиция месса оформилась еще позже, в XIV веке, став ведущим музыкальным жанром эпохи Возрождения.

Источник: http://musike.ru/imk/middle-ages/music

Средневековая музыка Западной Европы

Музыкальная культура Средневековья. Западноевропейское Средневековье.

Материал из Юнциклопедии

Музыкальная культура западно-европейского средневековья развивалась приблизительно с IX в. до XIV в. на фоне напряженных исторических перемен.

Этот период характеризуется постепенным разложением феодального строя, крестовыми походами, соперничеством церкви с властью королей и феодалов, Столетней войной Англии и Франции, восстанием французских крестьян («Жакерия»), борьбой чешского народа против немецкого засилья, феодальной эксплуатации и католической церкви (гуситское революционное движение).

Основа музыкального быта этого времени — искусство странствующих артистов, которые были универсальными мастерами: умели сочинять песни, веселые и поучительные сценки, владели цирковыми навыками, играли на всевозможных инструментах — на лютне, средневековой арфе, волынке, на смычковых (ребек, фидель) и ударных инструментах, на колесной лире и на маленьком переносном органе-портативе. Во Франции такого мастера называли жонглером и менестрелем, в странах немецкого языка — шпильманом, гауклером, в Испании — хогларом, в Сербии — играчом, в Чехии — герецом, на Руси — скоморохом, на Украине — пыворизом и т. д. Они были обязательными участниками всех крупных событий, будь то календарный праздник, свадьба, торжественный въезд в город его покровителя-суверена, ярмарка, ликование по случаю военной победы, пиршество, коронация и т. д.

В зависимости от обычаев и характера церемонии горожанам предлагались различные зрелища, сопровождавшиеся пением и игрой на инструментах: танец и пантомима, театрализованные истории и легенды, танцы на канате, акробатика, трюки с дрессированными животными. Но на первом месте здесь, безусловно, была музыка.

Среди документов той эпохи можно найти такой, например, свод правил и наставлений для менестреля: «Умей сочинять и рифмовать… бить в барабан… звучно играть на органиструме; сумей подбросить яблочки и поймать их на два ножа, умей играть на цитоле и на мандоле, прыгать сквозь четыре обруча.

А еще умей играть на арфе и настраивать жигу, также умей с блеском владеть голосом; весело играй на псалтерионе». Но вскоре многие в среде жонглеров и шпильманов сосредоточили свои творческие усилия на какой‑нибудь одной группе навыков.

Так происходило разделение средневековых менестрелей на различные профессиональные «цехи».

С IX в. начинают записывать музыку специальными нотными знаками на пергаменте (см. Нотная запись). Большинство из ранних нотных записей — одноголосные церковные песнопения, исполнявшиеся хором в унисон или солистами.

Это так называемый григорианский хорал (по имени папы римского Григория I, которому легенда приписывает утверждение этого певческого жанра). Вскоре появляются записи образцов светского музыкального искусства.

Это песни трубадуров — талантливых провансальских поэтов XI–XIV вв. и их собратьев в северной Франции — труверов, в Германии — миннезингеров. Музыку к своим стихотворениям некоторые из них сочиняли сами, а многим помогали служившие им менестрели.

Они воспевали прекрасную даму, рассказывали о словесных состязаниях рыцарей, желавших как можно изящнее воздать хвалу своей госпоже.

К IX–X вв. относятся и первые записи полифонических произведений. Прекрасные двухголосные пьесы — органумы с узорчатой парящей мелодией верхнего голоса создали мастера из южнофранцузского монастыря Сен-Марсьяль (конец XI — 1‑я половина XII в.).

Такое двухголосие было заимствовано у певцов-импровизаторов, умевших дополнить строгий напев собственными виртуозными импровизациями. Позднее выдвинулись парижские мастера из собора Нотр‑Дам (XII–XIII вв.

), а также авторы так называемой рукописи Монпелье — большого сборника трехголосных пьес — мотетов (XIII в.). Отныне мотет стал распространенным музыкальным жанром на протяжении нескольких столетий.

Для того чтобы написать мотет, композитор брал известный напев (церковный или светский) и присочинял к нему по правилам того времени еще один, два или три голоса. По сходному принципу сочинялась и музыка для церковного ритуала, например многоголосная месса.

На этой полифонической основе и на песнях трубадуров и труверов складывалось и творчество композиторов последнего периода средневековья. Они оставили образцы полифонических песен различных жанров и форм: рондо, баллады, виреле, мадригалы.

Этот период получил в истории название «Арс нова» («Новое искусство»), так как изысканная светская поэзия отныне положена на музыку нового склада, пронизанную особой живостью, богатством звуковых красок.

В балладах, виреле и мадригалах голоса витиевато переплетаются, а ритмика становится все более изощренной, изобилующей неожиданностями и резкими контрастами. Выдающимся мастером итальянского «Нового искусства» был Франческо Ландино (1325–1397) по прозвищу «Слепой Франческо».

Он ослеп в раннем детстве, что не помешало ему стать органистом-виртуозом, знаменитым своими импровизациями. Ландино создал множество лирических песен в характерных итальянских жанрах того времени: полифонические баллады и мадригалы. Слава его была легендарной, в 1364 г. он был торжественно увенчан лавровым венком.

Французское «Новое искусство» возглавил композитор и поэт Гильом де Машо (ок. 1300–1377), которого современники называли «земным богом гармонии», «изысканнейшим мэтром», «цветом всех мелодий».

Де Машо — основоположник целой школы многоголосной песни, его искусство способствовало расцвету светской вокальной и инструментальной музыки во Франции.

Баллада в его творчестве стала образцом утонченной лирики, такие произведения исполнялись чаще всего одним певцом с многоголосным инструментальным сопровождением, причем выбор инструментального состава по обычаю того времени предоставлялся самим исполнителям. Так, де Машо писал об одной из своих баллад: «Можно исполнить её на органе, на волынке и всяких других инструментах, все подойдет ей…» Впоследствии один из средневековых музыкальных теоретиков писал: «Этот Гильом был выдающимся в науке музыки и множество лучшего в её искусстве сочинил». Творчество де Машо, Ландино и их современников открыло путь следующему этапу — музыке эпохи Возрождения.

Источник: https://yunc.org/%D0%A1%D1%80%D0%B5%D0%B4%D0%BD%D0%B5%D0%B2%D0%B5%D0%BA%D0%BE%D0%B2%D0%B0%D1%8F_%D0%BC%D1%83%D0%B7%D1%8B%D0%BA%D0%B0_%D0%97%D0%B0%D0%BF%D0%B0%D0%B4%D0%BD%D0%BE%D0%B9_%D0%95%D0%B2%D1%80%D0%BE%D0%BF%D1%8B

Refy-free
Добавить комментарий